Zusammenfassung der Melbourne-Rezension: Moulin Rouge! Das Musical; JID; Julius Caesar; All Rise: Jazz at Lincoln Center Orchestra mit Wynton Marsalis und The MSO; Eliza werden; Kunst der Symphonie

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Zu dieser Reihe von Shows rund um Melbourne gehören die Rückkehr des glitzernden Musicals Moulin Rouge, eine geschickte und einfallsreiche Neuinterpretation eines Shakespeare-Klassikers, ein Konzert, das das Beste aus Vergangenheit und Gegenwart vereint, ein Auftritt des US-Rappers JID, ein beeindruckendes Konzert Konzertzusammenarbeit in der Hamer Hall und eine One-Woman-Show, die nur einen Abend lang stattfindet und einen Blick hinter den Bühnenvorhang bietet.

MUSICAL Moulin Rouge! Das Musical ★★★Regent Theatre, bis 31. Dezember

Wenn es ein Wort für Moulin Rouge gibt! Das Musical ist Exzess. Wie Baz Luhrmanns Film von 2001, auf dem er lose basiert, dreht sich bei dieser Produktion alles um Glanz und Glamour, mit atemberaubendem (wenn auch nicht leicht kitschigem) Bühnenbild, Choreografie, Kostümierung und Farbe.

Das Theater verwandelt sich in den Innenraum des Titelclubs – eine beleuchtete Windmühle dreht sich und ein fünf Meter großer Elefant ragt über der Menge auf. Die Darsteller schlucken Schwerter und steigen von der Decke herab. Es gibt Konfetti und Pyrotechnik.

Moulin Rouge! In dem Musical spielen Alinta Chidzey als Satine, Des Flanagan als Christian, Simon Burke als Harold Zidler sowie Bert La Bonté als Toulouse-Lautrec, James Bryers als The Duke und Ryan Gonzalez als Santiago. Bildnachweis: Chris Parker

Das spektakuläre Musical kehrt nach einer ausverkauften Saison im Jahr 2021 nach Melbourne zurück, was eine Rückkehr nach der COVID-19-Krise zum spritzigen Kino mit großen Eintrittskarten bedeutete. Angeführt wird die Besetzung erneut von Alinta Chidzey und Des Flanagan als Satine und Christian – die Top-Kurtisane des Moulin Rouge und die amerikanische Künstlerin, die um ihre Zuneigung wetteifert.

Seit der letzten Aufführung der Show ist ein Herausforderer aufgetaucht: Es ist schwierig, Moulin Rouge nicht zu vergleichen! Das Musical für New Kid on the Block und Julia. Bei beiden handelt es sich um Jukebox-Musicals, aber wo & Juliet eher kampflustig ist und seine Musik (alle vom schwedischen Hitmacher Max Martin) zusammenhängend einsetzt, ist Moulin Rouge! Das Musical strebt – wieder einmal – nach Exzess.

Moulin Rouge! Im Musical dreht sich alles um Glanz und Glamour. Bildnachweis: Michelle Grace Hunder

Die schiere Anzahl an Popsongs, die in die Show gedrängt werden – etwa 70 – ist erschöpfend. Die meisten sind als Einzeiler gespickt und wirken eher wie ein „Name-diese-Melodie“-Spiel als wie etwas Wesentliches.

Einiges davon funktioniert gut – die Eröffnungsnummer, einschließlich Lady Marmalade, ist ein Genuss, und ein betrunkener Abstieg zu Sias „Cluster“ ist im wahrsten Sinne des Wortes berauschend –, aber häufiger werden Lieder willkürlich vermischt und entscheidende Punkte werden durch schlaffe Entscheidungen verwässert (Satine singt Katy Perrys). Ein Feuerwerk hat nicht die emotionale Wirkung, die der Moment erfordert.

Tatsächlich ist die beste Nummer Come What May, der einzige Originaltitel des Films – Chidzeys und Flanagans Stimmen verschmelzen wunderbar.

Diese musikalische Völlerei geht zu Lasten der Charakter- und Handlungsentwicklung – es ist schwer, viel für eine dieser Figuren zu empfinden, wenn man sie kaum kennenlernt.

Das Thema fühlt sich auch veraltet an, da ein Christ und ein wohlhabender Wohltäter, der Herzog (James Bryers), um Satine streiten; Insbesondere Christians Charakterisierung grenzt an Manipulation, und die Sprache kann paternalistisch sein.

Während diese Version Satine mehr Entscheidungsfreiheit verleiht als eine völlig tragische Heldin, bleibt sie letztendlich ein Katalysator für die Selbstverwirklichung eines Mannes.

Moulin Rouge! Das Musical ist ein Fest für alle Sinne – es sieht umwerfend aus und die Darbietungen sind überwiegend stark. Es hat Stil in Hülle und Fülle und es ist unmöglich, von seinem enormen Umfang nicht beeindruckt zu sein – aber es hinterlässt ein Gefühl der Leere.

THEATERJulius Caesar ★★★½Melbourne Shakespeare Company, 40unten bis 3. September

Wenn Marc Antony von Natasha Herbert brüllt: „Schrei ‚Verwüstung!‘ und lass die Hunde des Krieges entkommen“, wecken ihre Leidenschaft und ihre Stimmkraft die flüchtigen Römer zu gewalttätigen Aktionen und lösen beim Publikum einen Nervenkitzel aus.

Shakespeares Stück mag zwar den Titel Julius Caesar tragen, aber die Hauptfiguren der Handlung sind Antonius und Brutus (Matthew Connell). Antonius, der Caesars vertrauenswürdige rechte Hand bleibt, und Brutus, der Caesars politischer Verbündeter bis zu Brutus‘ Abtrünnigkeit ist.

Zur Besetzung von Julius Caesar gehören Matthew Connell (hinten), Malith, Natasha Herbert, Jacqueline Whiting, Mark Wilson, Mark Yeates, Leah Baulch und Annabelle Tudor.Quelle: Chelsea Neate

Das Stück beginnt damit, dass der Staatsmann und General Caesar (Hunter Perske) nach seiner militärischen Niederlage gegen seinen Rivalen Pompeius zu einer Triumphparade in Rom eintrifft. Mit vorgetäuschter Demut lehnt Caesar Antonius' Angebot einer Krone dreimal ab. Dies bestätigt Cassius‘ (Mark Wilson) Ängste um die Römische Republik, weshalb er Brutus ermahnt, sich einem Komplott zur Ermordung Caesars anzuschließen, um Freiheit, Frieden und Freiheit zu retten und wiederherzustellen.

Was folgt, ist eine galoppierende Eskalation von Intrigen und Verrat, politischer Krise, Mord, Spaltung und Bürgerkrieg unter gegnerischen Führern: dem ehrenwerten, aber unentschlossenen Brutus und dem begabten Redner Antony. Die römische Öffentlichkeit ist wankelmütig, die Gewalt brodelt, die Regierung ist zerbrechlich und die Führer sind nicht unbedingt altruistisch.

Mark Wilson, Matthew Connell, Malith, Jacqueline Whiting, Annabelle Tudor in Julius Caesar.Quelle: Chelsea Neate

Richard Murphets geschickte, einfallsreiche und stromlinienförmige Regie treibt die Erzählung und die Hauptfiguren vom verschwörerischen Anfang bis zum blutigen Ende voran. Seine Interpretation von Shakespeares Text ist kristallklar und betont die Menschlichkeit der Charaktere, während die Intimität ihrer Beziehungen das Gefühl des Verrats verstärkt.

Herberts packende Darstellung von Antony ist das schlagende Herz dieser Produktion, während sie sich von einer trauernden Freundin zu einer leidenschaftlichen Rednerin und schließlich zu einer klugen und leidenschaftslosen Militärstrategin wandelt.

Ihre Textinterpretation sowie ihre körperliche und stimmliche Technik sind tadellos und ihr Vortrag von Antonys Rede „Freunde, Römer, Landsleute“ ist mitreißend.

Obwohl Connell ein jugendlicherer Brutus ist als üblich, fängt er Brutus‘ Vornehmheit, Selbstzweifel und Unentschlossenheit ein, während er sich der Ungeheuerlichkeit und Unerbittlichkeit seiner Taten stellt.

Während die schauspielerische Qualität der Besetzung ungleichmäßig ist, vibriert Wilson als „magerer und hungriger“ Cassius vor Wut, Mark Yeates fängt Cascas schelmischen Witz und List ein und Perskes robuster Körper verleiht dem alternden, schwächelnden Caesar, der böse Vorzeichen fürchtet, Substanz.

Kris Chaineys stimmungsvolle Beleuchtung und Grace Fergusons stimmungsvolle Klanglandschaft unterstreichen Dale Fergusons inspirierten Entwurf, der die abgenutzten Ziegelwände, grob gerahmten Fenster und den Holzboden des Kellerlokals einbezieht und den großen Raum für eine Kolonnade aus Gerüststangen und drei niedrige Stufen nutzt, die den Standort darstellen von Caesars Ermordung.

Murphets intelligente Inszenierung von Shakespeares Stück lädt zu Vergleichen mit der zeitgenössischen Geopolitik ein, in der einige Führer auf einer Welle der Popularität surfen und zu Caesar-ähnlichen Autokraten werden. Rezensiert von Kate Herbert

MUSIKKunst der Symphonie ★★★★Melbourne Chamber Orchestra, Melbourne Recital Centre, 27. August

Janus, der mythische Gott, der in die Zukunft und zurück in die Vergangenheit blickt, könnte durchaus eine Inspiration für diese sorgfältig kuratierte Feier der Symphonie durch das Melbourne Chamber Orchestra gewesen sein.

Mit einer Zusammenarbeit und einem Auftrag gingen positive, zukunftsweisende Elemente einher.

Vier Schüler der Victorian College of the Arts Secondary School traten dem Orchester bei Benjamin Brittens Simple Symphony bei. Raistlin Chan, Hannah Tyrell, Tom Protat und Chiara Kelle fügen sich nahtlos in eine ausgefeilte und fesselnde Darstellung dieses beliebten Werks ein, in der die Beschreibungen des Komponisten der Sätze (Boisterous Bourree, Playful Pizzicato, Sentimental Sarabande und Frolicsome Finale) anschaulich zum Leben erweckt werden.

Zwei Sinfonien der flämischen Musikerin und Komponistin Leonora Duarte aus dem 17. Jahrhundert gingen der Uraufführung eines speziell in Auftrag gegebenen Werks der in Melbourne lebenden Komponistin und Cellistin Caerwen Martin voraus. Sinfonia No. 1 Embracing Duarte ist eine breite, fantasievolle Klangleinwand, die Elemente von Duartes Kompositionen für Gamben aufnimmt und sie in einer sympathischen zeitgenössischen harmonischen und strukturellen Sprache neu interpretiert. Zu den herzerwärmenden Momenten gehörte auch eine anspruchsvolle Violinkadenz, die MCO-Direktorin Sophie Rowell brillant vorgetragen hat.

Diese Aufführung der Kunst der Symphonie ist ein gutes Zeichen für die Zukunft des MCO.Quelle: Jessica Tremp

Den Abschluss des Konzerts bildeten Werke, die die Geschichte der symphonischen Form würdigten.

Carl Stamitz‘ Sinfonie F-Dur Op. 24, Nr. 3 löste ein sorgfältig verfeinertes Spiel aus; Besonders in den langsamen Sätzen beeindruckt der warme, großzügige Klangkörper des Orchesters.

Haydns Symphonie Nr. 49 in f-Moll machte ihrem Spitznamen alle Ehre: „Passionssymphonie“. Pulsierend vor sprühender Energie und Liebe zum Detail kam die ganze Dramatik und Eleganz dieser schönen, aber wenig bekannten Partitur voll zum Ausdruck.

Dieses Konzert war geprägt von gutem Spiel und fröhlichem Teamgeist, gepaart mit einer Mischung aus Respekt vor der Vergangenheit und Hoffnung auf das Kommende. Während Rowell ihre erste Saison als Regisseurin durchläuft, ist die Leistung ein gutes Zeichen für die Zukunft des MCO. Rezensiert von Tony Way

MUSIK JID | Für immer & eine Tagestour ★★★Festsaal, 26. August

Ein lauter Jubel bricht aus der Menge aus, als JIDs Produzent – ​​und DJ-Begleiter – Christo im Rampenlicht steht. Von seinem Platz in der DJ-Kabine aus ermutigt er alle, „etwas Lärm zu machen“, während der 32-jährige Rapper die Bühne betritt.

US-Rapper JID tritt in Melbourne auf.Quelle: Rick Clifford

Der aus Atlanta stammende Musiker JID erlangte 2014 erstmals Berühmtheit als Teil des Kollektivs Spillage Village, bevor er 2017 beim Label Dreamville Records des Rappers J. Cole unterschrieb. Sein Konzert in Melbourne markiert den 12-monatigen Jahrestag seines dritten Studioalbums The Forever Story aus dem Jahr 2022.

Der Rapper beginnt mit „NEVER“, einem Titel aus seinem Debütalbum „The Never Story“, und wechselt zu „Off da Zoinkys“ aus dem Album „Dicaprio 2“, bevor er mit den neueren Songs „Raydar“ und „Dance Now“ beginnt. Selbstbewusst spuckt er Texte a cappella aus, während Christo die Beats zum Schweigen bringt, und stellt in der letzten Strophe von Off da Zoinkys seine charakteristische rasante Technik unter Beweis. Christo gesellt sich gelegentlich zu JID, wenn er auf der Bühne auf und ab geht und das Publikum bearbeitet.

Im Rückblick auf sein neuestes Album beschreibt JID The Forever Story als „ein Gemeinschaftsalbum … ein Familienalbum“.

Die Stimmung des Auftritts ändert sich, als er zu den langsameren, sentimentaleren Titeln „Bruddanem“, „Sistanem“ und „Kody Blu 31“ wechselt, in denen seine Beziehung zu seinen Eltern und Geschwistern im Mittelpunkt steht, und „Stars“, in dem es um seine früheren Ambitionen geht, anderen Rappern aus dem amerikanischen Süden nachzueifern , darunter André 3000, Kanye West und Lil Wayne.

JIDs charakteristische rasante Technik wurde bei seinem Auftritt in der Festivalhalle gezeigt. Bildnachweis: Rick Clifford

JIDs treue Fangemeinde skandiert lautstark seinen Namen und ruft ihm seine eigenen Texte zu, wobei sie im Laufe der Show immer betrunkener und lauter wird.

Abgerundet wird der Auftritt mit einer Setlist, die auf Fanwünschen basiert, einschließlich des Titels 2007 – einer späten Ergänzung zu The Forever Story.

Während der gesamten Aufführung war die Beleuchtung unvorhersehbar und reichte von einer voll beleuchteten Bühne zwischen den Songs bis hin zu hellen LED-Lichtern, während JID auftrat, wodurch sich alles eher wie ein RnB/Hip-Hop-Club als wie ein Musiklokal anfühlte.

Eine starke Leistung, aber die inkonsistenten visuellen Effekte und die Widerspenstigkeit des Publikums beeinträchtigten letztendlich das Gesamterlebnis. Rezensiert von Vyshnavee Wijekumar

MUSIKAll Rise: Jazz in LincolnCenter Orchestra mit Wynton Marsalis und The MSO ★★★★½Hamer Hall, 25. August

Noch bevor eine Note gespielt wird, ist es unmöglich, sich nicht von der Skala von Wynton Marsalis‘ Symphonie Nr. 1 „All Rise“ verzaubern zu lassen. Der bloße Anblick von 180 Künstlern, die am Freitagabend jeden Zentimeter der Bühne in der Hamer Hall besetzten, reichte aus, um Ehrfurcht zu erwecken.

Noch bevor eine Note gespielt wird, ist es unmöglich, sich nicht von der Größe von Wynton Marsalis‘ Symphonie Nr. 1 „All Rise“ verzaubern zu lassen. Bildnachweis: Nico Photography

All Rise ist ein 12-sätziges Werk für ein Sinfonieorchester, ein Jazzorchester und einen 100-köpfigen Chor und in seinem Umfang und Ehrgeiz episch. Es stellt einen 12-taktigen Blues dar, der unsere Reise durch das Leben in individueller, gemeinschaftlicher und spiritueller Hinsicht widerspiegelt.

Es ist ein dichtes und aufwändiges Werk, das bei seiner Premiere in Melbourne vom New Yorker Jazz at Lincoln Center Orchestra, dem Melbourne Symphony Orchestra und einem imposanten Chor, bestehend aus dem MSO Chorus and Consort of Melbourne, zum Leben erweckt wurde.

„All Rise“ ist eine zutiefst fesselnde Synthese der musikalischen, persönlichen und spirituellen Überzeugungen von Marsalis. Bildnachweis: Nico Photography

Dirigent Ben Northey nutzte sowohl kompakte als auch expansive Gesten, um Teile der kombinierten Ensembles bei der Überschneidung, Divergenz und Konvergenz zu leiten. Die frühen Sätze (die Geburt und Selbstfindung darstellen) summten vor Energie und sich ständig verändernden musikalischen Farben, von synkopiertem Schlagzeug bis hin zu üppigen Ellington-Blechbläsern, anmutigen, von Streichern geleiteten Anschwellungen und schrillem Geigenspiel im Appalachen-Stil.

Die mittleren Bewegungen versanken in der Dunkelheit der Sünde, des Selbstzweifels und der existenziellen Krise. "Rette uns!" Die Chorsänger intonierten traurig, als ein Trauerzug in New Orleans allmählich einer optimistischeren Stimmung wich.

Mit verdienter Erlösung betraten wir ein Kaleidoskop unwiderstehlicher südamerikanischer Tanzstile – Mambo, Milonga, Tango – und begaben uns in Expressbrown Local auf eine pulsierende Lokomotive. Das reintönige Vibrato der Jazzsängerin Michelle Nicolle aus Melbourne leitete den mitreißenden Schlusssatz ein und forderte das gesamte Ensemble auf, sich zu einem dramatischen Crescendo zu vereinen, das unerwartet in eine jubelnde Dixieland-Feier mündete.

Die vielschichtige Komplexität und die ständigen rhythmischen, harmonischen und tonalen Veränderungen sorgten für ein anspruchsvolles (gelegentlich auch anstrengendes) Hören, aber All Rise ist eine zutiefst fesselnde Synthese der musikalischen, persönlichen und spirituellen Überzeugungen von Marsalis. Marsalis selbst blieb in der Trompetensektion verankert, aber seine künstlerische Stimme hallte überall wider – gekleidet in symphonisches Gewand, aber mit Jazz und Blues im heftig schlagenden Herzen. Rezensiert von Jessica Nicholas

MUSICALWerde Eliza ★★★½Anna O'Byrne, Comedy Theatre, 26. August

Anna O'Byrne blickt auf eine herausragende internationale Karriere in der Oper und im Musical zurück und hat sich mit ihrer Rolle als Christine Daaé in „Liebe stirbt nie“ und im „Phantom der Oper“ im West End zu einer Königin des australischen Musiktheaters entwickelt. Aber es ist ihre Rolle als Eliza Doolittle in der Produktion von My Fair Lady der Opera Australia aus dem Jahr 2016 unter der Regie der ursprünglichen Eliza, Dame Julie Andrews, die den Kern dieser Solo-, selbsterzählten musikalischen Reise ausmacht.

Anna O'Byrne ist zur Königin des australischen Musiktheaters geworden. Bildnachweis: Jeff Busby

In einem schlichten, locker sitzenden lila Hosenanzug gekleidet – ein starker Kontrast zu den exquisiten Kleidern von Cecil Beaton, die sie in „My Fair Lady“ trug – spricht O'Byrne ihr begeistertes Publikum direkt an, bezaubert und fesselt es mit eindrucksvollen Beschreibungen ihrer Karriere mit allen seine rasanten Erfolge und einige seelenzerstörende Misserfolge.

Die einfache, aber effektiv konstruierte, chronologische Erzählung von O'Byrne ist gespickt mit Backstage-Anekdoten und gefärbt von einer lebendigen, oft lyrischen Sprache. Sie verwebt Auszüge aus Liedern aus „My Fair Lady“ und anderen Musicals mit wahren Geschichten über ihren langen, wechselvollen und beschwerlichen Weg zur Rolle der Eliza: den Vorsingprozess, das Warten, die niederschmetternde erste Ablehnung, dann das Wiedersehen mit der warmherzigen und großzügigen Julie Andrews Das unerwartete Angebot, Eliza zu spielen, war sowohl berauschend als auch erschreckend.

Anna O'Byrne erzählt in ihrer One-Woman-Show die Geschichte von „Becoming Eliza“. Bildnachweis: Jeff Busby

Was folgt, ist der zermürbende Probenprozess mit all seinen Höhen und Tiefen und Selbstzweifeln, und O'Byrne beschreibt, wie sie auf ihrem Weg zur Figur der Eliza erlebt, wie die fiktive Eliza zu ihrer realen und ständigen Begleiterin wird. Diese Art von konfessionellem, aufschlussreichem Soloauftritt könnte ins Schlimme oder Selbstgefällige abdriften, aber O'Byrne vermeidet das dankenswerterweise, indem er bodenständig und nachvollziehbar bleibt.

O'Byrnes Sopran hat ein spannendes oberes Register und ein feines Vibrato. Ihre Stimme kann kühn und kraftvoll, warm und bezaubernd oder süßlich zart sein und eignet sich daher perfekt für das Repertoire von Liedern, zu denen Favoriten wie „I Could Have Danced All Night“, „Wearn’t It Be Loverly?“, „My Favourite Things“ und „In My“ gehören Eigene kleine Ecke und ich habe Vertrauen.

Sharon Millerchip, selbst ein Doyen des Musiktheaters, leitet die Show unaufdringlich, mit hervorragender musikalischer Begleitung am Klavier durch den gefeierten Musikdirektor Michael Tyack, mit dem Geiger Roy Theaker, der Cellistin Kalina Krusteva und Katri Tuomennoro am Kontrabass. Die Musiker spielen nicht nur die Melodien, sondern unterstreichen auch die Erzählung und schaffen so die Atmosphäre für jede Episode von O'Byrnes Geschichte.

„Becoming Eliza“ ist eine Backstage-Musicalgeschichte ohne das eigentliche Musical, und O'Byrne fesselt das Publikum mit ihren aufschlussreichen persönlichen Geschichten, ihrer makellosen Stimme und ihrer geselligen Präsenz auf der Bühne. Es ist eine Show für O'Byrne-Fans und Liebhaber klassischer Musicals. Rezensiert von Kate Herbert

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